Séminaires 2013-2014

Bloc A : séminaire intégrateur

ARTH 800 (Concordia)
Art History and Its Methodologies

Schedule:
Tuesdays, 1pm to 4pm

Fall schedule (members are asked to reserve the class period (Tuesday afternoon) for the entire academic year, to accommodate guest speakers and other special events):
- 10 September
- 24 September
- 8 October
- 22 October
- 5 November
- 19 November
- In December, the class will meet on the day of the doctoral forum (TBD, attendance compulsory) and on the following Tuesday.

Winter schedule (to be confirmed):
- 7 January
- 21 January
- 4 February
- February meetings to be scheduled according to winter breaks of the partner universities.
- Regular meetings will held through 15 April; the seminar will also meet on the day of the spring doctoral forum (TBD, attendance compulsory), and on the following Tuesday.

Registration:
Concordia students: via your department assistant;
Étudiantes, étudiants des trois autres universités : obligatoirement via CRÉPUQ
NB: This is a full-year seminar. Students must register for the fall 2013 term and for the winter 2014 term.

Location:
EV-3.760, Concordia Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex, 1515 St. Catherine W. (Métro Guy-Concordia)

Professor:
Martha Langford, Concordia University, with the collaboration of students and professors in the program
mlangford@concordia.ca

This seminar has two objectives. The first is the smooth integration of incoming students into the doctoral program. The second is the development of the students’ principal research projects, through the conceptual, critical, analytical, and organizational phases that are the basis of the program’s admission to candidacy: the drafting of the Atelier paper, or thesis proposal, and its examination by the doctoral student’s committee, which normally occurs at the end of the student’s second year in the program.

The first objective, integration, is a two-fold process: individual and collective. Individual members of the seminar will be led to understand better the differences between the Master’s degree that they have successfully completed and the next stage of their studies, and they will reach this understanding collaboratively, within their cohort. To move from the Master’s program to Art History’s terminal degree is not simply a matter of meeting more challenging program requirements, but calls for a clearer idea of individual research objectives, the skills to communicate and defend them, and the tools of reflexive self-evaluation, peer-evaluation, and teamwork that define and enhance scholarship. Integration will then proceed on the basis of the member’s sense of mission and community as it has developed to that point, and the first task will be to address and challenge models relied on to that point. This aspect of the seminar will build on the theme of ‘les incontournables,’ focusing on texts that have inspired individual students who will bring them forward for collective analysis. This process is also the building of the cohort. Not only are students privy to the intentions of their colleagues at the doctoral level, but they are exposed to the scaffolding of their scholarly practices. This approach encourages interdisciplinary thinking by seminar members, as well as intellectual risk-taking within the safety of their cohort. 

The second objective, which is building the foundations of the thesis, will be addressed systematically under the headings of methodology, historiography, and theory, clarifying the relationship of these systems to the member’s first and most daunting task, the conceptualization and drafting of the thesis proposal. Problems to be grasped and tackled are embedded in the requirements: the identification and delimitation of a corpus; achieving the right balance between objects of study, primary documents, and theory; the development and articulation of an original contribution to knowledge whose emplacement in the discourse is also clear. These questions are close variations on problems addressed in previous years, and will benefit from the experiences of students who are further along in the program, notably those delivering at the doctoral forum and/or defending. Attendance at both sessions of the doctoral forum (fall and spring) will be obligatory for members of this seminar, nourishing their analysis of current scholarship, as well as their own objectives. Members will also benefit from the input of faculty invited in the second term to offer guidance on doctoral research and its dissemination through publication and teaching. Themes will include the development of research networks, and the position of solitary research within the context of team-research.

Two conditions noted by the architects of this program will naturally hold:

- the seminar is not intended to impinge on the privileged relationship between student and supervisor – the selection of the text to be proposed can, for example, be made in consultation with the supervisor; the strengthening of the cohort and access to other members of the faculty are intended to enhance the fundamental processes of the program;

- the seminar will be conducted in a bilingual structure and atmosphere, with members expressing themselves freely in French or English within their oral presentations, in-class debates, written submissions, and in correspondence between members, including the seminar leader.   

Bloc B : séminaires de recherche

Automne 2013

ARTH 801/2 A Periods and territories (Concordia)
Global Art Histories 

Schedule:
Fridays, 1pm to 4pm

Location:
EV-3.760, Concordia Engineering, Computer Science and Visual Arts Integrated Complex, 1515 St. Catherine W (Métro Guy-Concordia)

Registration: 
Concordia students: via your department assistant;
Étudiantes, étudiants des trois autres universités : obligatoirement via CRÉPUQ

Professor:
Alice Ming Wai Jim, Concordia University
ajim@concordia.ca

Over the last decade, the terms “World Art Studies,” “Global Art Histories,” and “Comparative Art Histories” have become the focus of scholarship and practice for a growing number of researchers and art practitioners. In 2004, James Elkins declared the prospect of world art history as “the most pressing issue facing the discipline of art history” and in 2007, the College Art Association recognized world art as a discipline among its membership and therefore as a legitimate area of research and practice. As a concept and approach, world art studies began formally in 1992 when John Onians coined the term as the new name for his art history program at the University of East Anglia. Generally speaking, the new broad discipline proposes to approach art from a global perspective in a way that transcends chronology and geography and to study it from all relevant disciplinary viewpoints imaginable, ranging from visual culture, cultural studies, and anthropology to neuroscience and philosophy. It explores new ways to not only account for how art and the discourses around it are increasingly global and interdisciplinary, but also to put into contention the traditional Eurocentric focus on Western art-historical canons that were formed during colonialism and are its legacy. In 2006, Hans Belting and Peter Weibel proposed to distinguish global art, as a new phenomenon in the contemporary art scene, from world art, in the sense of world art heritage - while also acknowledging how the areas of practice, historicization, and musealization may be linked in several ways.

This seminar seeks to examine the connections between world art studies as the global and multidisciplinary examination of the visual arts, and the global turn in contemporary art and art history. What are the implications of these connections for the new “global art history”? Four areas of investigation are proposed: (1) Rethinking the Canon: world art and world art histories, key concepts and approaches. (2) Compression vs. Expression: critiques and theoretical and methodological problems. (3) Institutional Frameworks: the survey text, course, and exhibition. (4) Global Art Histories (through case studies): complicities as well as potentialities in theory and practice.

HAR 7005 Problématisation du contexte artistique (Université de Montréal)
L’art et le site : l’espace public à l’ère de l’image

Horaire :
Les jeudis, de 13h à 16h, à partir du 5 septembre

Local :
C-2151, Pavillon Lionel-Groulx, Université de Montréal, 3150 rue Jean-Brillant

Inscription : 
Étudiantes, étudiants de l’Université de Montréal, via votre agente de programme ; 
Étudiantes, étudiants des trois autres universités : obligatoirement via CRÉPUQ
(***attention, ne pas confondre avec HAR7005 de Laval)

Professeure :
Suzanne Paquet, Université de Montréal
suzanne.paquet@umontreal.ca

Bien des pratiques artistiques proposent aujourd’hui une double position ou un double accès : des interventions dans l’espace urbain (art relationnel, pratiques furtives, art éphémère in situ) sont prolongées ou trouvent une représentation qui leur est symétrique dans le cyberespace. Des artistes utilisent par ailleurs le web et ses outils (générateurs d’images, moteurs de recherche, instruments de géo-localisation et médias sociaux) comme leurs terrains d’investigation, alors que dans ce même web, qui facilite grandement la monstration et la propagation des œuvres en tous genres, les photographes amateurs trouvent une tribune, un véritable espace public pour montrer leur production d’images qui, parfois, bien qu’elle soit de l’ordre de ce que l’on appelle la « culture populaire », s’avère être très proche, dans son apparence ou dans son contenu, de l’art des professionnels. Le moyen terme qui rapproche toutes ces pratiques, ou qui semble lier art d’élite et « goût barbare », est l’aspect participatif. En effet, les artistes pratiquant l’art urbain revendiquent une fonctionnalité renouvelée, un engagement social, démocratique et écologique de l’art alors qu’autour des pratiques d’amateurs, qui ont le web pour point d’ancrage, se développent des communautés au sein desquelles les échanges et la communication sont de première importance. Ainsi, on ne peut plus penser l’espace public que dans une dualité, voire une multiplicité : possiblement physique et situé, mais aussi circulatoire et en réseaux; des formes qui s’amalgament et se répondent, qui doivent être mises en tension et examinées en réciprocité. 

Au cours de ce séminaire, nous tenterons de vérifier les enjeux soulevés par tous ces croisements – espace urbain et cyberespace, art de pointe et pratiques d’amateurs, interconnexions et surveillance, etc. – vraisemblablement significatifs d’un changement de régime artistique ou, à tout le moins, culturel. Le pragmatisme et la théorie de l’acteur-réseau, qui engagent à suivre les acteurs et les choses qu’ils mettent en mouvement, ou qui les mettent en mouvement, constitueront des appuis théoriques appropriés aux travaux de ce séminaire. Selon ces théories (qui sont des « théories de l’enquête »), la société se conçoit comme processus, comme étant en recomposition constante à mesure des actions, des interactions et des transactions, pour reprendre le terme de John Dewey. L’espace, du moins dans sa dimension proprement humaine, se conçoit de même : il ne préexiste pas à l’action, mais se produit par elle, par les pratiques et les connexions que celles-ci génèrent. 

Bibliographie indicative

BISCHOP, Claire (2006). Participation, Cambridge : MIT Press et Londres : Whitechapel Gallery.
BORASI, Giovanna et Mirko ZARDINI (dir.) (2008). Actions : Comment s’approprier la ville, Montréal : Centre canadien d’architecture.
CASTELLS, Manuel (2012). Networks of Outrage and Hope: Social Movements in the Internet Age. Cambridge : Polity.
DEWEY, John (2010). Le public et ses problèmes, Paris : Gallimard « Folio ».
FRIELING, Rudolf (dir.) (2008). The Art of Participation. 1950 to Now. San Francisco : San Francisco Museum of Modern Art.
LATOUR, Bruno (2006). Changer de société, refaire de la sociologie, Paris : La découverte.
SHUSTERMAN, Richard (1992). L’art à l’état vif. La pensée pragmatiste et l’esthétique populaire, Paris : Minuit.
VARNELIS, Kazys (dir.) (2008). Networked Publics. Cambridge : MIT Press.
ZASK, Joëlle (2011), Participer. Essai sur les formes démocratiques de la participation, Paris : Le bord de l’eau.

Hiver 2014

HAR 911E Périodes et territoires (UQAM)
Regards croisés sur l’art contemporain autochtone

Horaire :
Les mercredis, de 14h à 17h

Local :
J-R535, Université du Québec à Montréal, Pavillon Judith-Jasmin (Métro Berri-UQAM)

Inscription :
Étudiantes, étudiants de l’UQAM, via votre agente de programme ;
Étudiantes, étudiants des trois autres universités : obligatoirement via CRÉPUQ

Professeur :
Jean-Philippe Uzel, UQAM
uzel.jean-philippe@uqam.ca

Ce séminaire entend croiser les logiques de l’art autochtone et de l’art contemporain à travers une double problématique. Il se penchera sur les développements récents de l’art contemporain autochtone et en même temps il examinera la façon dont  la culture autochtone s’immisce, souvent de façon non consciente, dans l’art contemporain international. 

D’un côté, il s’agira d’analyser et d’interpréter les pratiques artistiques de la plus récente génération d’artistes autochtones, celle que l’on qualifie parfois de Post-Indian : Brian Jungen (Dunne-za/Suisse), Annie Pootoogook (Inuit), Nadia Myre (Algonquin), Kent Monkman (Cree/Anglais), Jason Baerg (Cree/Allemand)... Ces artistes, qui semblent entretenir un rapport beaucoup plus libre à la tradition autochtone, font coexister dans leurs œuvres des réalités qui jusqu’alors semblaient contradictoires : l’humour pop et la déculturation, les revendications queer et les stéréotypes raciaux. Ils assument également sans difficulté leur statut d’artistes contemporains internationaux et leur statut d’artistes autochtones, à l’instar de Brian Jugen qui a été exposé à la Tate Modern de Londres avant de l’être au National Museum of the American Indian à Washington.

D’autre part, le séminaire cherchera à inverser notre regard en essayant de mieux comprendre l’impact de la culture autochtone sur l’art contemporain international. Loin de vouloir refaire une histoire du primitivisme (qui consisterait à établir la liste des artistes contemporains qui revendiquent l’influence de l’art autochtone nord-américain), il s’agira plutôt d’examiner comment la culture autochtone s’infiltre, souvent de façon détournée, dans les pratiques artistiques contemporaines. Par exemple, la description du potlatch chez les Kwakwaka’wakw par Franz Boas à la fin du XIXe siècle, reprise ensuite par Marcel Mauss et Georges Bataille, a eu un impact considérable sur la création contemporaine jusque dans les pratiques les plus récentes de l’art relationnel dominées par les questions du don et de l’échange. C’est ce type de « regards croisés » faits d’emprunts conscients et inconscients, de curiosités et d’incompréhensions, de fascinations et de rejets que nous souhaitons approfondir à l’occasion de ce séminaire.

Bibliographie sommaire

BAKER J. & MCMASTER G. (éd.) 2008. Remix. New Modernities in a Post Indian World. Phoenix/New York: Heard Museum/National Museum of the American Indian.
BERLO J. C. and PHILLIPS R. B. 1998. Native North American Art. Oxford: Oxford University Press.
GRANDE J. K. 1994. Balance. Art and Nature. Montreal: Black Rose Books.
LIPPARD L. 1990. Mixed Blessings. New Art in a Multicultural America. New York: Pantheon.
MCEVILLEY T. 1992. Art & Otherness. Crisis in Cultural Identity. Kingston: McPherson
MACKEY E. 1999. The House of Difference. Cultural Politics and National Identity in Canada. London/ New York: Routledge.
MCMASTER G. & MARTIN L.-A. 1992. Indigena : perspectives autochtones contemporaines, Hull : Musée canadien des civilisations.
MARTIN L.-A. 2005. Au fil de mes jours, cat. d’exp., Québec : Musée national des beaux-arts du Québec.
NEWHOUSE D. R. et al. 2005. Hidden in Plain Sight. Contributions of Aboriginal Peoples to Canadian Identity and Culture. Toronto: University of Toronto Press.
THOMAS N. 1999. Possessions. Indigenous Art, Colonial Art. New York: Thames and Hudson.

HAR 8001 (Université Laval)
Balises théoriques et méthodologiques pour une histoire de la sculpture au féminin (1750-1950)

Horaire :
Les vendredis, de 14h à 17h

Local :
J-R610, Université du Québec à Montréal, Pavillon Judith-Jasmin (Métro Berri-UQAM)

Inscription :
Étudiantes, étudiants de Laval, via votre agente de programme ;
Étudiantes, étudiants des trois autres universités : obligatoirement via CRÉPUQ

Professeure :
Françoise Lucbert, Université Laval
Francoise.Lucbert@hst.ulaval.ca

Le présent séminaire porte sur la place et sur le rôle des femmes dans le champ spécifique de l’histoire de la sculpture. Il s’agit de mettre en œuvre une réflexion qui prend en compte la longue durée et qui ne met pas seulement l’accent sur les figures connues aux dépens des autres. Une approche sociologique sous-tend la démarche, dont l’objectif est de comprendre les réseaux de la sculpture au féminin (apprentissage, création et diffusion), les pratiques en atelier (praticiennes versus créatrices), les orientations esthétiques, de même que des partis pris formels et techniques des artistes. L’étude partira des parcours brillants, mais isolés, des pionnières du XVIIIe siècle (M.A. Collot, A.S. Damer, M. Tussaud), pour examiner comment et pourquoi, suite à l’ouverture des ateliers de sculpture aux femmes, les créatrices du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle, ont pu investir un champ d’expertise traditionnellement masculin, jusqu’à devenir, pour certaines, de véritables sommités dans leur domaine (R. Bonheur, K. Kollwitz, C. Orloff, B. Hepworth). Le séminaire abordera en outre une série de questions théoriques et méthodologiques visant à cibler les outils les plus pertinents pour l’étude d’un tel corpus. Comment et pourquoi écrire une histoire de la sculpture au féminin ? Sur quelles prémisses s’appuyer et dans quel but ? Enfin, en quoi la logique identitaire et les outils de l’histoire féministe de l’art peuvent-ils servir à penser l’évolution d’une pratique artistique aussi singulière que la sculpture ?

Indications bibliographiques

BARBILLON, Claire, et al., À nos Grands Hommes. La sculpture publique française jusqu’à la seconde guerre mondiale, publication électronique sous forme d’un double cédérom, Paris, INHA/Musée d’Orsay, 2004.
BEALE, Helen, « Women and First World War Memorials in Arles and la Provence Mistralienne », Modern and Contemporary France, vol. VII, n° 2, 1999, p. 209-224.
BERRIDGE, Kate, Waxing Mythical: The Life and Legend of Madame Tussaud, New York et Toronto, Harper Perennial, 2007.
BROUDE, Norma et GARRARD, Mary D., Feminism and Art History: Questioning the Litany, New York, Harper & Row, 1982.
BROUDE, Norma et GARRARD, Mary D., Reclaiming Female Agency. Feminist Art History After Postmodernism, Berkeley, Los Angeles et Londres, University of California Press, 2005.
CHEVILLOT, Catherine et MARGERIE, Laure de (dir.), La Sculpture au XIXe siècle, mélanges pour Anne Pingeot, Paris, Nicolas Chaudun, 2008.
DELLAC, Christine, Marie-Anne Collot. Une sculptrice française à la cour de Catherine II, 1748-1821, Paris, L’Harmattan, collection « Rue des Écoles », 2005.
FLORENCE, Penny et FOSTER, Nicola, Differential Aesthetics, Burlington, Ashgate, 2000.
GOGGIN, Maureen Daly et TOBIN, Beth Fowkes, Women and Things, 1750-1950: Gendered Material Strategies, Farnham et Burlington, Ashgate, 2009.
HEINICH, Nathalie, États de femme. L’identité féminine dans la fiction occidentale, Paris, Gallimard, 1996.
HOLSTEN, Siegmar (dir.), "Elegant//expressiv". Von Houdon bis Rodin. Französische Plastik des 19. Jahrhunderts, cat. exp., Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, 28 avril-26 août 2007. Heidelberg, Kehrer, 2007.
MESKIMMON, Marsha, Women Making Art: History, Subjectivity, Aesthetics, Londres et New York, Routledge, 2003.
MORINEAU, Catherine (dir.), Elles@centrepompidou : Artistes femmes dans la collection du musée national d’art moderne, centre de création industrielle, Paris, Éditions du Centre Georges Pompidou, 2009.
PARKER, Rozsika, The Subversive Stitch: Embroidery and the Making of the Feminine, Londres et New York, Routledge, 1984.
PARKER, Rozsika et POLLOCK, Griselda, Framing Feminism: Art and the Women’s Movement, 1970-1985, Londres et New York, Routledge, 1987.
PARKER, Rozsika et POLLOCK, Griselda, Old Mistresses: Women, Art and Ideology, Londres et New York, Pandora Press, 1995.
PERROT, Michelle, Les Femmes ou le silence de l’histoire, Paris, Flammarion, 1998.
PERRY, Gillian, Gender and Art, New Haven, Yale University Press, 1999.
POLLOCK, Griselda, Vision and Difference: Femininity, Feminism and Histories of Art, Londres et New York, Routledge, 1988.
POLLOCK, Griselda, Differencing the Canon: Feminist Desire and the Writing of Art's Histories, Londres et New York, Routledge, 1999.
RIVIÈRE, Anne, Jane Poupelet 1874-1932, cat. exp., Roubaix, La Piscine, 15 octobre 2005 – 15 janvier 2006 ; Bordeaux, Musée des Beaux-Arts, 24 février – 4 juin 2006 ; Mont-de-Marsan, Musée Despiau-Wlérick, 24 juin – 2 octobre 2006.
RIVIÈRE, Anne, GAUDICHON, Bruno, GHANASSIA, Danielle, Catalogue raisonné des oeuvres de Camille Claudel, Paris, Adam Biro, 2001.
RIVIÈRE, Anne (dir.), Sculpture’Elles. Femmes sculpteurs du XVIIIe siècle à nos jours, cat. exp., Boulogne-Billancourt, Musée des Années Trente, 12 mai – 12 octobre 2011. Paris, Somogy, 2011.
SILLS, Leslie, Visions: Stories About Women Artists, Park Ridge, Albert Whitman & Company, 1993.
YELDHAM, Charlotte, Women Artists in Nineteenth-Century France and England: Their Art Education, Exhibition and Opportunities and Membership in Exhibiting Societies and Academies with an Assessment of the subject matter of Their Work and Summary Biographies, New York, Garland, 1984, 2 v.

Réalisation : Centre de services en TI et en pédagogie (CSTIP) (Université Laval)